On connaît tous au moins un film d'animation japonais qui nous a marqués. Peut-être est-ce Le Voyage de Chihiro et ses esprits étranges, Akira et sa vision cauchemardesque de Neo-Tokyo, Ghost in the shell et ses interrogations sur l'identité, ou encore Your Name et son histoire d'amour à travers le temps. Mais combien d'autres merveilles restent encore à découvrir ?Avec 100 films d'animation japonais, les éditions Ynnis nous invitent à parcourir un siècle de création animée nippone à travers une sélection de cent longs métrages qui ont marqué l'histoire du genre. Une véritable invitation au voyage, qui permet de mesurer toute la richesse d'un cinéma bien trop souvent réduit, dans l'imaginaire collectif, aux seules productions du Studio Ghibli.Car l'animation japonaise est un continent à elle seule ! Des pionniers aux grands maîtres contemporains, des univers futuristes aux contes merveilleux, des drames intimistes aux expériences visuelles les plus audacieuses, cette sélection entend embrasser toute la diversité d'une production qui a profondément transformé notre rapport au cinéma d'animation.Au fil des pages, on retrouve évidemment des œuvres incontournables comme Perfect Blue, Le Tombeau des Lucioles ou Silent Voice. Autant de films qui ont contribué à faire connaître l'animation japonaise bien au-delà de ses frontières et à démontrer qu'elle pouvait s'adresser à tous les publics, sans distinction d'âge.Mais l'intérêt de cette sélection est aussi de remettre en lumière des œuvres moins connues, de découvrir d'autres réalisateurs et d'explorer des approches artistiques parfois très éloignées des productions auxquelles le grand public est habitué. Car derrière les images se cachent des histoires de création, des innovations techniques, des choix artistiques et des anecdotes de production qui permettent de mieux comprendre comment ces films ont vu le jour.Réalisé par le collectif AnimeLand, en partenariat avec le magazine de référence consacré à la culture manga et à l'animation japonaise, cet ouvrage ne se contente pas d'aligner cent titres à cocher sur une liste de visionnage. Chaque film bénéficie d'une présentation qui revient sur ses qualités et ses particularités, avec des informations sur sa fabrication et son importance dans l'histoire du médium.Un ouvrage qui devrait donc satisfaire deux publics : les néophytes, qui y trouveront une formidable porte d'entrée pour explorer un cinéma foisonnant, et les passionnés, qui pourront confronter leurs classiques personnels à cette sélection et, pourquoi pas, dénicher quelques pépites encore inconnues.Cette nouvelle édition dans la collection Imaginaires d'Ynnis est aussi l'occasion de rappeler une évidence : l'animation japonaise n'est pas un genre cinématographique, mais un formidable terrain d'expérimentation où peuvent se rencontrer toutes les formes de narration et d'expression visuelle.Alors, combien de ces cent films avez-vous déjà vus ? Et surtout, combien vous reste-t-il à découvrir ?100 films d'animation japonais, collectif AnimeLand, Ynnis Éditions, collection Imaginaires. 208 pages couleur, 19,95 €. Nouvelle édition annoncée le 12 novembre 2026.

Un monde englouti sous la neige, une civilisation disparue, des survivants prêts à tout pour rester en vie et un improbable duo lancé dans une fuite à travers des terres hostiles… Vous avez aimé La Route de Cormac McCarthy ou accompagné Joel et Ellie dans The Last of Us ? Alors, il y a de fortes chances que Le Territoire vous embarque !Seize ans après l'effondrement de notre civilisation, dans un futur situé en 2054 (il ne nous reste pas tant de temps !), l'humanité a été décimée et la loi du plus fort règne désormais sur les étendues glacées. Cooper est l'un de ces survivants. Solitaire, endurci par les épreuves et accompagné de son fidèle Tiny, un bœuf musqué adorable et loyal, il tente de subsister dans ce monde où la moindre ressource est précieuse et où la confiance peut coûter cher. Jusqu'au jour où une rencontre inattendue vient bouleverser son existence : Sara, une jeune fille mystérieuse qui ne se sépare jamais de son violon. Les circonstances vont les pousser à voyager ensemble, avec des poursuivants bien décidés à remettre la main sur l'adolescente.Difficile de ne pas penser à The Road devant ces paysages désolés, cette humanité en lambeaux et cette traversée d'un monde qui a perdu tous ses repères. Mais Le Territoire possède également un petit parfum de The Last of Us. On y retrouve cette mécanique du voyage sous haute tension, les rencontres parfois terrifiantes, les poches de civilisation qui se sont reconstruites sur des rapports de force et surtout ce duo improbable formé par un homme brisé et une jeune fille qui va peu à peu retrouver une place dans sa vie.La comparaison n'est d'ailleurs pas simplement une impression de lecteur : Philippe Xavier cite lui-même ces deux œuvres parmi ses références, aux côtés de Mad Max et de Jeremiah Johnson. Mais le dessinateur tient à une différence essentielle : il ne voulait pas reproduire la noirceur absolue de La Route. Dans cet univers d'une violence extrême, il souhaitait aussi laisser une place à l'humour, à la compassion et à l'espoir.Et c'est précisément là que l'album trouve son cœur. Car derrière la course-poursuite et les affrontements, Le Territoire raconte avant tout la naissance d'un lien presque filial. Cooper a tout perdu et s'est progressivement coupé du monde. Sara, elle, représente une possibilité de recommencement. Leur relation se construit au fil du voyage, dans les gestes de protection, les silences et les moments de complicité. Pas besoin de grands discours : c'est cette humanité qui résiste, même lorsque tout semble perdu, qui donne au récit sa véritable dimension émotionnelle.Au scénario, Joe Pruett apporte son expérience du comics américain. Lauréat d'un Eisner Award, il a notamment travaillé sur Negative Burn et Viking Moon. Il retrouve ici Philippe Xavier, avec lequel il partage une longue histoire professionnelle : Joe fut son premier éditeur et son premier scénariste aux États-Unis. Le projet, initialement imaginé comme un comics, a finalement été considérablement développé pour devenir un véritable roman graphique franco-belge de 168 pages. Un format qui permet de donner de l'ampleur à cette aventure et de laisser respirer ses personnages.Philippe Xavier, que l'on connaît notamment pour Croisade, Conquistador, Tango ou encore Le Serpent et le Coyote, démontre une nouvelle fois toute sa maîtrise du dessin réaliste. Les vastes paysages enneigés sont absolument magnifiques. La neige n'est jamais un simple décor : elle devient presque un personnage à part entière, à la fois silencieux, hypnotique et menaçant. Les silhouettes humaines semblent minuscules dans ces immensités blanches, et cette impression d'isolement renforce considérablement la tension. Les couleurs de Jérôme Maffre subliment ce travail. Les contrastes, les ombres et les nuances donnent une profondeur remarquable aux décors. Certaines planches offrent de véritables respirations contemplatives, avant que le découpage très dynamique ne nous replonge brutalement dans l'action. Philippe Xavier joue avec les formats, les grandes cases et les pleines pages pour donner à son récit une dimension presque cinématographique. On sent derrière chaque séquence un véritable sens de la mise en scène.L'album n'est toutefois pas qu'une succession de belles images et de scènes de survie. Sous ses airs de récit post-apocalyptique classique, il glisse également des questionnements bien contemporains autour du transhumanisme, du pouvoir des grandes fortunes technologiques et de la place de l'humain dans un monde où la science et le pouvoir ont perdu leurs garde-fous. Le récit est parfois brutal, même franchement violent, mais cette noirceur sert un propos plus large : que reste-t-il de nous lorsque les structures de notre société s'effondrent ?Le Territoire est une aventure post-apocalyptique qui assume ses influences tout en trouvant sa propre tonalité. Un peu de La Route pour la désolation, beaucoup de The Last of Us pour la relation entre ses personnages, une touche de western pour les grands espaces et une réalisation graphique de très haute volée. Le scénario emprunte parfois des chemins familiers aux amateurs du genre, mais l'efficacité de la narration, la beauté des planches et l'attachement que l'on développe pour ce duo font largement la différence.Un album spectaculaire, parfois rude, mais traversé par une belle conviction : même à la fin du monde, il reste des raisons de continuer à avancer. Et parfois, il suffit simplement de ne plus être seul.

Et si, pour sauver la planète, il fallait commencer par se débarrasser de ses habitants ? C'est sur cette idée aussi radicale que délicieusement ironique que Fred Duval construit Mille Ans, un ambitieux projet de science-fiction publié chez Le Lombard. Au programme : une Terre laissée en jachère pendant un millénaire, une poignée d'humains cryogénisés, des intelligences artificielles, des robots et huit dessinateurs de premier plan réunis autour d'une même fresque. Une belle promesse pour les amateurs de futurs dystopiques et de grandes histoires d'anticipation.La Terre va mieux. L'humanité, c'est une autre histoire. L'humanité a poussé la planète au bord du gouffre. Guerres, surpopulation, épuisement des ressources et catastrophe écologique majeure : le cocktail est complet. Face à l'ampleur du désastre, une solution pour le moins radicale est envisagée : laisser la Terre tranquille pendant mille ans afin qu'elle puisse se régénérer. Une poignée d'humains privilégiés est alors cryogénisée, avec l'espoir de reprendre un jour le cours de l'histoire. Un millénaire plus tard, le réveil ne se déroule évidemment pas comme prévu.Derrière ce point de départ qui pourrait presque passer pour une mauvaise blague adressée à notre civilisation se cache une véritable réflexion de science-fiction. Car la question n'est pas simplement de savoir si l'humanité survivra à sa propre disparition temporaire, mais surtout ce qu'elle trouvera au moment de revenir. La planète aura changé, les équilibres auront été bouleversés et les survivants devront composer avec un monde qui ne les attendait pas forcément.Duval s'empare de plusieurs grandes thématiques du genre : androide, cryogénisation, colonisation spatiale, mutation des espèces, reconstruction écologique et transmission de la mémoire. Mais son récit ne se perd pas dans une démonstration technologique. Ce qui l'intéresse avant tout, c'est l'humain et sa capacité assez stupéfiante à reproduire les mêmes erreurs, même lorsqu'il dispose de mille ans pour prendre du recul.La dimension sociale du récit est d'ailleurs particulièrement savoureuse. Qui a le droit de survivre ? Qui décide de ceux qui méritent une seconde chance ? Et que vaut cette prétendue renaissance de l'humanité lorsqu'elle repose, dès le départ, sur une sélection des plus privilégiés ? La catastrophe écologique devient ainsi le révélateur d'inégalités qui n'ont finalement jamais disparu.Huit récits, mille ans de SFLa grande originalité de Mille Ans tient à sa construction. Plutôt que de raconter une seule aventure étirée sur un millénaire, Duval choisit de composer une fresque chronologique en huit récits courts, qui explorent chacun une facette de cet univers.Un petit robot, Billy, sert de fil conducteur à cette traversée temporelle et permet de relier les différentes histoires. À travers lui, le lecteur découvre les transformations de la Terre, les destins des survivants et les conséquences parfois inattendues de ce gigantesque programme de sauvegarde.Le procédé permet surtout au scénariste de varier les plaisirs. Cyberpunk, hard science, action, contemplation : les tonalités évoluent au fil des récits, sans que l'ensemble perde sa cohérence. Une diversité revendiquée par Duval, qui a justement conçu chaque partie en fonction des sensibilités et des envies des dessinateurs.On pense forcément à certaines grandes œuvres de la science-fiction qui ont fait du temps et de l'évolution des civilisations leur terrain de jeu. Le roman Seveneves de Neal Stephenson, par exemple, imagine lui aussi la survie de l'humanité après une catastrophe planétaire, avec une partie de la population contrainte de chercher refuge dans l'espace et une histoire qui se déploie sur plusieurs millénaires. Du côté de la bande dessinée, Carbone & Silicium de Mathieu Bablet partage cette fascination pour les longues ellipses temporelles, les bouleversements écologiques et le regard porté sur l'humanité par des êtres artificiels.La comparaison avec Shangri-La, du même Mathieu Bablet, est également intéressante : on y retrouve cette interrogation sur les élites, les sociétés humaines repliées dans des habitats spatiaux et les dérives d'un progrès technologique qui ne profite pas nécessairement au plus grand nombre.Attention, Mille Ans ne cherche pas à rivaliser avec ces œuvres sur le terrain de la fresque philosophique monumentale. Son format plus ramassé privilégie la variété des situations et des approches. C'est justement ce qui fait son intérêt : en 104 pages, Fred Duval propose une sorte de panorama des possibilités narratives offertes par la science-fiction.Un casting graphique digne d'une expédition spatialeMais comment parler de Mille Ans sans s'attarder sur son casting ? Le projet réunit tout simplement huit dessinateurs : Denis Bajram, Dimitri Armand, Ronan Toulhoat, Grun, Fred Vignaux, Philippe Buchet, Jaouen Salaün et Roberto Ricci. Une sacrée concentration de talents pour un seul album !Pour les amateurs de bande dessinée de science-fiction, les noms sont loin d'être anodins. Denis Bajram, incontournable avec Universal War One, Philippe Buchet, que l'on connaît notamment pour Sillage, ou encore Grun avec On Mars apportent chacun leur expérience du genre. À leurs côtés, Toulhoat, Armand, Vignaux, Salaün et Ricci viennent enrichir cette aventure collective de leurs univers graphiques respectifs.L'exercice aurait pu tourner au simple catalogue de signatures prestigieuses. Il n'en est rien. Chaque dessinateur s'approprie un récit et une tonalité particulière : certains privilégient l'action, d'autres les ambiances contemplatives ou les environnements futuristes. Les styles se succèdent, les atmosphères changent et cette diversité accompagne finalement très bien les sauts dans le temps.C'est même l'une des bonnes idées du projet : faire de la multiplicité des artistes une composante de la narration. Les huit récits ne sont pas seulement huit occasions de retrouver des dessinateurs appréciés, ils deviennent huit fenêtres ouvertes sur un même univers. Le travail de cohérence a notamment été facilité par la création de designs communs, assurée par Philippe Buchet. Même le petit Billy conserve ainsi une identité reconnaissable malgré les changements de dessinateur. On pourrait rapprocher cette démarche des grandes anthologies collectives du neuvième art, mais Mille Ans pousse le principe un peu plus loin : ici, les artistes ne se contentent pas de partager un thème ou un univers, ils participent à une histoire commune, pensée dès l'origine pour accueillir leurs différentes sensibilités.Mille ans pour recommencer, vraiment ?Avec Mille Ans, Duval réussit un joli tour de force : réunir huit dessinateurs autour d'une histoire de science-fiction cohérente, tout en leur laissant suffisamment de liberté pour donner à chaque récit sa propre personnalité.Tout n'est pas forcément égal dans cette traversée du millénaire. Le format court impose parfois des ellipses importantes et certains développements auraient sans doute mérité davantage d'espace. Mais c'est aussi le principe de cette construction chorale : privilégier le panorama à l'exploration exhaustive, multiplier les angles de vue plutôt que de s'enfermer dans un seul destin.L'album a surtout le mérite de remettre au centre une question fondamentale de la science-fiction : que restera-t-il de notre civilisation lorsque nous ne serons plus là ? Et surtout, le progrès technologique suffira-t-il à faire de nous une espèce plus raisonnable ?Entre anticipation écologique, réflexion sociale, aventure spatiale et intelligence artificielle, Mille Ans coche de nombreuses cases du genre. Mais son véritable atout réside dans cette rencontre entre un scénariste et huit artistes, qui transforme une idée de départ en expérience graphique collective.Finalement, la Terre aura peut-être besoin de mille ans pour se remettre de nous. Reste à savoir si nous serons capables, à notre réveil, de lui laisser un peu de répit.